Mechanical Bride est un excellent morceau rock, rappellant le schizoid Man de King Crimson. S’appuyant sur un riff puissant, ce véritable brulôt prendra toute sa mesure en live. Avec The Silk Road, Steve navique dans des spheres orientales, avec grande reussite. Morceau aux percussions très dynamiques, regorgeant de sons etranges et captivants.

Dans un autre style, Brand New est un morceau pop au refrain implacable. Le solo est également superbe. Steve s’exerce même à un style assez etranger pour lui, avec The Devil Is An Englisman. Reprise pop – electro de la chanson ecrite par Thomas Dolby. Un de mes moments préférés de l’album et terriblement suprenant.Dans un autre style, Brand New est un morceau pop au refrain implacable. Le solo est également superbe.

Autre point important remarquable de l’album, outre sa diversité, Le chant de Steve. Il est très bon. Serpentine Song, superbe ballade, en temoigne. This World et sa mélodie puissante et mélancolique, également. Le solo de fin est à pleurer. Rebecca est aussi une chanson très émouvante, avec de très beaux arpeges de guitares qui laisse place à un break electrique monstrueux. L’alternance entre des parties plutôt calmes, correspondant souvent au chant, et des parties instrumentales plus dynamiques et electriques, est dans cet album très maitrisé.

Malgré tout, certains morceaux apparaissent assez conventionelles, et sont de fait assez decevantes au regard du reste de l’album. Je pense à Strutton Ground ou The Moon Under Water, morceaux sympathiques mais vraiment trop gentillés.

En conclusion, cet album dont beaucoup critiqueront le manque de cohérence, est très bon malgré quelques faiblesses. Sa diversité est pour moi une force, la musique de Steve faisant le trait d’union entre differentes influences, styles, cultures, il offre un véritable voyage à son auditeur. Le jeu de guitare est remarquable, bien sur dans les solos magnifiques mais aussi et surtout dans son utilisation en tant que générateurs de sons multiples. L’album regorge de sons de guitares, etranges, experimentaux, qui au final constituent la richesse de la musique de Steve en lui donnant des teintes si particulière. Cet opus propose une musique fournie, une musique du détail, il necessite ainsi beaucoup d’ecoutes pour être apprecié à sa juste valeur. La patte de Roger King s’affirme également, et devient une véritable composante du son Hackett. Avec To Watch The Storms, un nouveau cycle prolifique demarre pour Steve. Il fera encore mieux avec l’album suivant, Wild Orchids.

Dans Pawn Hearts, tout est dans l’alternance. La longue piece finale, A plague Of Lighthouse Keepers, suffirait presque à elle seule, à résumer l’album. Dans ce morceau tous les ingrédients qui font de Van Der Graaf generator un cocktail aussi déjanté qu’explosif sont présents. Les premières notes vous plongent dans une ambiance morbide, très glaciale. La voix fine et morbide d’Hammil ordonne ce malaise sordide. Tout semble contrôlé, et puis tout s’accélère, emmené par le démoniaque saxophone de David Jackson, les instruments se déchainent, la folie succède à la peur. Et puis, le calme revient, l’orgue se fais plus présent, donnant à la musique une teinte plus planante, la voix d’Hammil devient profonde et mélancolique, l’hystérie laisse place à la sérénité du désarroi. Mais Van Der Graaf generator est une bombe à retardement, capable d’exploser à tout moment. Le morceau retrouve cette envie d’exprimer cette folie qui l’habite, l’auditeur est asphyxié. Le calme refera surface pour mieux se perdre une nouvelle fois.

Le reste de l’album est dans le même ton, le morceau intitulé Man Erg est apaisé et s’apparenterait presque à une “ballade”. Mais la fantasque fougue du groupe reprend sa marche en avant, aux environs de la troisième minute, le titre explose de tous les côtés et devient complètement fou. Ce délire dure 3-4 minutes et on retrouve le côté apaisé qui marque le début du morceau. C’est comme si Van Der Graaf Generator avait eu un coup de folie, une défaillance momentanée de la raison.

Van Der Graaf Generator a horreur du vide et de l’ambigüité. Tout est exagéré, la folie laisse place à la sérénité, la raison à la passion, tout est extrême. Cette alternance des émotions est rendu possible grâce à l’alternance des genres. Les sonorités hard-rock incarne la folie, les sonorités jazz et psychédéliques incarnent le calme, la mélancolie et la sérénité. Les nombreux changements de rythmes incarnent également ces changement brutaux d’atmosphère, d’émotions et de sentiments. Album aussi déjanté que profond, Pawn Hearts est certainement l’album culte de Van der Graaf generator, l’album resta 10 semaines en tête des ventes, en Italie ! Cet album préfigure les futures réussites du groupe que sont Still Life et Godbluff et n’est vraiment pas dispensable.

Nous sommes en 1987, Pink Floyd réalise, certainement l’album le plus mauvais de son existence, n’échappant pas aux critiques, de la presse et bien sur de Roger Waters. A momentary lapse of the reason, album au son lourd, aux compositions fades, correspond bien, finalement, au climat qui entourait cette période du Floyd : batailles juridiques, ambiance tendue, phrases mesquines lachées ici et là. 7 ans plus tard, Pink Floyd, veut retrouver une part de son identité perdue. Les sessions qui donneront naissance à The division bell, se passent dans une ambiance chaleureuse, sans pression, cela se ressentira, enormement dans l’album. Pink Floyd, lassé d’être maltraité et torturé, prend avec cet opus le chemin de l’apaisement pour retrouver l’alchimie et la cohérence musicale qui faisait sa force.

Le retour au premier plan de Rick Wright, en est une des raisons principales. Jamais, depuis Wish You Were Here, le clavériste n’avait été autant impliqué dans un album de Pink Floyd. Sur l’album The Wall, le jeu de Rick est soumis à l’humeur et aux envies de Roger Waters, sur The Final Cut, il n’est pas présent, et sur A momentary lapse of resaon, Gilmour avoue avoir composé les parties claviers (mojo 1994, David Gilmour à propos de cet album : “pour la plupart c’est moi qui ai fais les claviers et j’ai prétendu que c’était lui”). Cette implication de Rick Wright se manifeste par la présence d’une de ses compositions, Wearing inside out. 25 après sa derniere composition pour Pink floyd, The great gig in the sky issue de l’album Dark side Of The Moon, il nous offre un excellent morceau. Sa voix est touchante, profonde, et trouve son écho dans les choeurs, créant une atmosphère légère et nostalgique. Ce morceau est également marqué par le retour de Dick Parry (présent sur les plus célèbres compostions de Pink Floyd, telles que Money ou Shine on you crazy diamond), oublié (écarté ?) par le groupe depuis l’album Wish You were Here. Son introduction, au saxophone, n’est pas sans rappeler sa fabuleuse prestation qu’il signa sur le morceau Us and Them. L’influence de Rick wright, ne se limite pas à cette composition. Son jeu planant et envoutant est présent tout au long de l’album. Le premier titre de l’album, intitulé Cluster one, l’illustre parfaitement. Les notes cristallines de claviers jouées par Rick, se mêle parfaitement à la guitare épurée de Gilmour, s’instaure une discussion, entre les deux instruments, d’une beauté insatiable. On semble retrouver à travers ce morceau l’alchimie, la complicité guitare-claviers, qui était l’une des bases du “son Pink Floyd”. La patte de Rick, posée sur cet opus, s’exprime également dans le morceau Keep Talking, où il execute un solo inspiré, rappelant quelque peu celui de Welcome To The Machine. Ainsi, le retour en grâce de Rick Wright contribue à diriger Pink Floyd vers le chemin de la renaissance. L’excellente prestation de Gilmour tout au long de cet album en est l’autre composante. Le leader du groupe, laisse derrière lui son jeu torturé et dur de The Wall, son jeu lourd et insipide d’A momentary lapse of reason, pour retrouver son jeu planant et spatial, une autre des bases musicales de Pink Floyd, avant The Wall. Marooned, un morceau instrumental, en est surement le plus bel exemple. A travers, ce titre, Gilmour réalise un véritable récital où s’exprime la sensibilité et la beauté de son jeu. Cette sensibilité qui fait tant défaut au rugueux albums réalisés après Wish You Were here. Sur cet album, Gilmour utilise beaucoup la guitare acoustique, à l’inverse d‘A momentary lapse of reason. Ceci est le reflet de son envie de donner au son une teinture moins froide, moins aseptisé, moins lourd. Les sonorités paraissent plus naturelles, plus mélodiques. Le morceau, Lost For Words, en est le parfait exemple, à travers ce morceau gilmour offre une ballade acoustique, mélodieuse et agréable. L’original solo, réalisé , à l’aide d’une pédale talk box, sur Keep Talking montre bien l’inspiration dont fait preuve Gimour sur cet album.

La complicité retrouvé entre Gilmour et Wright et le retour à un son plus spatial et doux, semble sonner le retour et la renaissance du Pink Floyd prè-Animals. Cependant, certains titres insipides de cet album montrent que cette résurrection n’est pas totale, loin de là. En effet, certains morceaux de The Division Bell sont de bien mauvaises qualités et manques cruellement d’inspiration. C’est le cas par exemple de Take It Back, de Coming Back to Life ou encore de What Do You want From me. Ces titres sont vides, et ne présentent pas de réelles apports à la musique de Pink Floyd.

En réalité le maitre mot de cet album est la nostalgie. Pink Floyd cherche à renaitre, à retrouver son lustre d’antan. Cette nostalgie, le pousse à retrouver ses fondamentaux, à reprendre ce qui faisait son alchimie, sa cohérence et sa force, avant qu’il s’effondre et s’éparpille en une multitude de briques. Il parvient dans cet album à trouver ce qu’il cherchait, mais cette volonté de “faire comme avant”, traduit son impuissance à parvenir à repenser ses fondamentaux pour créer quelque chose de nouveau et de qualité. Les titres fades et médiocres, qu’on trouvent sur cet album, reflètent cette idée. Le groupe tente d’innover, de se rénover, mais n’y parvient pas. Finalement, Pink Floyd renaît en se pleurant, en se regrettant. Le morceau qui achève l’album, High Hopes, l’illustre parfaitement dans le sens où c’est en reprenant les éléments qui ont fais sa force, que Pink floyd arrive à crée ce titre magnifique. Un introduction au clavier mystique, une ligne de chant sublime, et un solo de guitare incomparable. Ce morceau possède la grandiloquence des plus grandes chansons du groupe.

En conclusion, cet album, teinté de nostalgie, fait naitre l’espoir que Pink Floyd possède l’aptitude à faire revivre son passé. Mais cela relève son impuissance à se rénover, cet aveu de faiblesse, exprime, dans une certaine mesure, la mort de Pink floyd, incapable de proposer quelque chose de nouveau. Cette recherche d’innovations, cette volonté de proposer toujours quelque chose de différent, n’est pas présente dans cet album. Malgré tout, The Division Bell reste un album agréable à écouter, en grande partie grâce au retour du socle Gilmour-Wright.

Crime of the century est l’album qui a propulsé Supertramp sur le devant de la scène. Auparavant le groupe avait connu bien des difficultés, cherchant mais ne trouvant pas la voie du succès. Cette voie du succès dessinée et tracée par les grands groupes de rock progressif de l’époque, tels Genesis, Pink Floyd ou encore Yes, qui révolutionnaient le monde de la musique à coup de longues compositions élaborées et grandiloquentes, laissant peu de places aux groupes à la musique moins complexe et moins prétentieuse.

Pourtant c’est en dédramatisant et simplifiant ces oeuvres complexes, aux longues parties instrumentales, que Supertramp parvient à se faire une place au soleil. Le titre Dreamer en est un excellent exemple, ce morceau offre une ligne de chant surprenante ,aux intonations enfantins, appuyé par un clavier déjanté. Ce morceau léger , parfait archétype du single-tube, est plus une invitation à sourire qu’à pleurer. Pourtant cette chanson, au côté décalée, contraste avec le reste de l’album. En effet, le reste de l’album est beaucoup plus mélancolique. Le morceau Hide In Your Shell l’illustre bien. La voix de Roger Hodgson, possède plus que jamais une portée émotionnelle et mélancolique. L’alternance des voix rythme ce morceau, et en fais un des moments forts de cet album. Ce côté mélancolique est retrouvé dans le morceau Rudy, piste qui s’ouvre sur des notes de claviers que distille Hogdson. Cette excellente introduction d’Hodgson est le symbole d’un des moteurs des cet album : cette façon si spéciale d’utiliser les claviers pour donner un côté profond et triste à la musique. Le morceau éponyme en est un autre exemple, proposant un solo de claviers, enflammé, devenu culte. Mais Supertramp ne se contente pas d’émouvoir son auditeur avec des mélodies mélancoliques et tristes, Supertramp sait également se montrer colérique. Le titre Bloody Well Right le montre bien, après une énième introduction mythique d’Hodgson aux claviers, le titre prend une tournure plus rock. La guitare devient plus dur, la voix plus grave, Supertramp hausse le ton. Le morceau Ayslum nous montre encore un autre visage de Supertramp, les cris d’Hogson, le chant plaintif, nous fais découvrir un groupe torturé.

Ce qui fais la force de cet album est, d’une part, le talent de Roger Hodgson tant au niveau musical que vocal. Cette capacité à transmettre des sentiments à travers l’utilisation des claviers et de ce timbre de voix, si particulier. Et d’autre part, cette capacité à permuter la nature des sentiments ressentis, de passer du rire à la mélancolie, de la mélancolie à la rage, de la rage à la torture, est également un élément intéressant de cet album. Cet album reposant essentiellement sur Hodgson, excellent musicien plus émotif que virtuose de technicité, les compositions ne sont pas très techniques et complexes. Pour certains, ce manque de complexité et de technicité fais de Supertramp un groupe manquant d’ambition et de charisme. Mais Supertramp, avec cet album gagne son pari, à savoir celui de créer une musique qui soit facile d’accès tout en étant profonde.